Por: Cleber Facchi

Existe um preciosismo de que apenas por ser lançado “pelo esforço próprio”, um trabalho voltado ao universo independente se transforma na morada para composições que fogem das redundâncias da música comercial. Um erro típico. A julgar por boa parte dos lançamentos que marcaram a cena nacional na última década, o que se vê é uma repetição de fórmulas e métodos similares ao que há anos circula pelo pop ou mesmo pelas facções mais “adultas” da velha MPB. Reaproveitamento lírico, reciclagem instrumental e uma coleção desgastada de heranças que misteriosamente são esquecidas para que sejam encaradas como novas.

Partindo de um financiamento coletivo, ao entregar os custos do segundo registro para os próprios ouvintes, a gaúcha Apanhador Só não apenas antecipava o que seria uma continuação exata do primeiro álbum, como parecia mergulhar no velho (e desgastado) reaproveitamento de fórmulas da música nacional. A expectativa era de que a banda surgisse confortavelmente instalada nas repetição de ideias testadas em Prédio, Bem-Me-Leve e todo o cardápio agridoce do debut. Um toque de Los Hermanos, uma pitada de samba, alguns acréscimos da poesia gaúcha e pronto: estava lançado o registro. Entretanto, nada poderia ser mais satisfatório do que saber que em Antes Que Tu Conte Outra (2013, Independente), segundo trabalho de estúdio da banda, pouco ou quase nada do primeiro álbum parece ter sobrevivido.

Sem prever, a centena de colaboradores que custearam as gravações do novo disco se fazem co-autores de uma das obras mais provocativas do rock nacional – antigo e recente. Sim, o “Los Hermanos” que o público (ou pelo menos parte dele) esperava está de volta, não em música, poesia e instantes de plágio já imaginados, mas em ideia. Da mesma forma que o completo rompimento do quarteto carioca em Bloco do Eu Sozinho (2001), cada instante do novo álbum da Apanhador Só é um balde de água fria e ao mesmo tempo criatividade. Não se trata mais de entregar respostas, consolar por meio dos versos ou fornecer acertos melódicos para o ouvinte, mas de provocar lírica e instrumentalmente.

Erroneamente já tratado como uma obra de apelo “conceitual”, Antes Que Tu Conte Outra está longe de firmar qualquer estrutura padrão ou matéria guia que aproxime tematicamente as canções do disco. Fazendo jus ao rótulo imediato de “experimental”, o quarteto – Alexandre Kumpinski, Felipe Zancanaro, Fernão Agra e André Zinelli – transforma cada faixa em um passeio torto e de particularidades específicas. Afinal, nada do que alimentava o fluxo ensolarado-indie-universitário do trabalho anterior se faz presente, o que transforma a individualidade das estranhas composição em um bloco de sons, versos e principalmente ruídos desprovidos de linearidade.

Se provocar é a maior necessidade da banda com o novo disco, é de Felipe Zancanaro essa responsabilidade. Não apenas a guitarra, velha parceira do músico, tem sua função bem definida pelo disco – vide Despirocar e Torcicolo -, mas toda uma soma de novos incrementos. Carregado de samples – que incluem “cama de mola, roda de skate, serrote serrando, lata de cerveja vazando” -, o trabalho se relaciona diretamente com a proposta de “álbum-lugar” que o grupo busca expôr com o novo disco. Ora ambientado em um cenário claustrofóbico de um apartamento, ora sufocado pela imensidão espaçosa de uma grande cidade, o registro se transporta a todo o instante, arremessando o espectador dentro das colagens instrumentais que a banda impõe.

Embora revele em uma primeira audição um completo afastamento daquilo que foi entregue há três anos, em se tratando dos versos o propósito da banda ainda é o mesmo. São dicotômicas canções sobre relacionamentos (Não se precipite), tratados existencialistas (Rota) e até uma exposição maior de crônicas descritivas (Despirocar). Mantém-se as ideias, porém, se alteram os rumos. Ao se ausentar do movimento sonoro imposto de forma confortável no primeiro álbum, a banda – e mais especificamente Kumpinski e o velho colaborador Ian Ramil – fogem à regra. Assim, não é difícil esbarrar em Os Mutantes no anti-jingle Líquido Preto, nas cartas musicadas de Chico Buarque com Vitta, Ian, Cassales e até em elementos que parecem únicos da poesia que comanda o trabalho da banda.

Feito e desfeito a todo o instante, capaz de estabelecer desconforto e atração na mesma medida, o que mais atrai em Antes Que Tu Conte Outra é a percepção de que a banda se esforça a brincar com a compreensão do ouvinte. Tudo é estranhamente derrubado de forma aleatória sem fugir da intencionalidade, o que transforma músicas como Lá em casa tá pegando fogo ou mesmo a radiofônica Rota em um objeto de constante descoberta. Cada música é encarada como desafio, seguido de prêmio e revelação, prova de que arriscar – tanto para a banda como para o público – ainda é a maior beleza de qualquer registro.

Antes Que Tu Conte Outra (2013, Independente)

Nota: 9.2
Para quem gosta de: Transmissor, Cambriana e Los Hermanos
Ouça: Rota, Despirocar e Não se Precipite

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A eletrônica parece cada vez mais presente no trabalho da dupla The XX. Embora se manifeste desde o primeiro disco, escondida na maior parte do tempo, em Coexist (2012) o gênero aflorou, resultado das experiências particulares do baterista/produtor Jamie XX. Parte dessa manifestação se faz presente na mais nova colaboração do trio britânico com a conterrânea Jessie Ware. Curadores do festival britânico Night + Day, a banda trouxe a responsável por Devotion (2012) para dividir os vocais em um curioso cover. Trata-se de uma versão particular para o hit Lady (Hear Me Tonight), do começo dos anos 2000, enquanto as bases de Music Sounds Better With You, do Stardust (projeto paralelo de Thomas Bangalter do Daft Punk) ecoa ao fundo. O resultado você confere abaixo. Esta não é a primeira vez que o trio firma uma parceria ao vivo, quem lembra da apresentação com Solange no Coachella 2013?

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The XX & Jessie Ware – Lady (Music Sounds Better With You)

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Com pouco mais de uma década de atuação, a DFA records já conseguiu revelar algumas das melhores invenções das pistas eletrônica nos últimos anos. Entre casos óbvios como LCD Soundsystem, The Rapture e Holy Ghost!, a presença de artistas menos conhecidos como Marcus Lambkin, do Shit Robot, em nenhum instante desagrada. Com um catálogo imenso de singles e apenas um único disco em mãos – From the Cradle to the Rave, de 2010 – Lambkin faz da recém-lançada Feels Real uma de suas melhores (se não a melhor) invenções. Dançante, grudenta e reverberando a boa fase de James Murphy, a canção conta com um bem encaixado acréscimo: Um divertido clipe. Utilizando de colagens e diferentes bocas, o trabalho é uma das grandes surpresas para as pistas de 2013.

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Shit Robot – Feels Real

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Depois de levar três anos para apresentar Here (2012), o sucessor do debut Up from Below (2009), os membros do Edward Sharpe and the Magnetic Zeros não parecem interessados em esperar o mesmo tempo para lançar um novo disco. Dessa forma, o coletivo californiano reserva para o dia 23 de Julho a chegada do terceiro registro da carreira. Autointitulado, a obra traz logo na capa o que parece um mergulho nas cores centralizadas na esfera do disco anterior, fazendo do single Better Days um preparativo para o novo disco. Apostando na mesma temática épico-religiosa dos trabalhos da banda, a faixa vai até a música folk, se encontra com o Gospel, além de beber da psicodelia, resultando em uma continuação clara do que foi testado em Here, no último ano.

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Edward Sharpe and the Magnetic Zeros – Better Days

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Nascida em 1992, Charlotte Aitchison ouviu muita música pop até firmar as bases excêntricas para o que viria a se transformar em Charli XCX. Ainda que revele toda essa maturidade nas melodias tortas e versos plásticos de True Romance (2013), aguardado primeiro disco da carreira, a cantora e compositora britânica vez ou outra se arrisca em resgatar elementos caricatos do que ouviu durante a adolescência. É o caso de I Want It That Way, clássico da Boy Band Backstreet Boys que encontra nos vocais de XCX um ambiente confortável. Gravada ao vivo em uma passagem da artista pelos Estados Unidos, a canção bem que poderia se transformar em um Lado B de algum próximo single da artista. Assista:

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Charli XCX – I Want It That Way (Backstreet Boys Cover)

Por: Cleber Facchi

Lançado há quase dois anos, II (2011), registro de estreia do Majical Cloudz passou praticamente despercebido pelo público e imprensa. Ouvintes que talvez (com razão) não tiveram tempo e expectativas para o minimalismo sofredor que angustiava a obra do canadense Devon Welsh. Nítido projeto de descoberta, cada instante das 15 composições que abastecem o disco revelam uma singularidade no argumento do compositor, que ao transportar aspectos demasiado particulares de seu próprio sofrimento parecia se isolar em um mundo lírico de forte apelo claustrofóbico e difícil aproximação.

O registro, entretanto, acabou chamando a atenção de alguns ouvintes, produtores e outros artistas como a própria Grimes, que acabou convidando o conterrâneo para colaborar com construção de Nightmusic, uma das faixas que recheiam o bem estabelecido Visions (2012). Mais do que isso, com o lançamento de II Welsh atraiu os ouvidos do tecladista e produtor Matthew Otto, parceiro do músico e o grande responsável pelos rumos que a (agora) banda assumiu em meados do último ano. Assim, a partir de Turns Turns Turns EP, lançado em dezembro de 2012 o Majical Cloudz deixou de ser um produto individual da mente de Devon para assumir um propósito – ainda que controlado – de coletivo.

Mesmo que os rumos sejam outros, ao pisar no terreno doloroso de Impersonator (2013, Matador), cada verso exposto na obra se aproxima diretamente da melancolia individual de seu realizador. A diferença está no fato de que Welsh parece livre de termos próprios, tratando de elementos marcados pela depressão como canções de acesso universal, capazes de atrair os mais diversos públicos. Dessa forma, o novo álbum atende uma necessidade típica de qualquer registro que esteja naturalmente sustentado na dor, fragmentando versos e sons dentro de uma medida que parece manifestar liricamente o universo do próprio ouvinte.

Como parecia anunciado na construção do último EP, o novo álbum trata dos vocais do canadense como o principal elemento sonoro de toda a obra. Tão logo a faixa-título tem início, são as vozes de Welsh que chamam a atenção e prendem o ouvinte, resumindo um nivelamento que delimita com propriedade cada música do disco. Dançando em uma medida que vai de Ian Curtis à Matt Berninger, o cantor foge à regra, carregado na dramaticidade um elemento fundamental para que Childhood’’s End, Bugs Don’’t Buzz e outras faixas extremamente dolorosas da obra cresçam com primor. É quase possível afirmar que se trilhasse a obra solitário, a capella e desprovido de instrumentos, a voz de Devon teria peso suficiente para alimentar a obra e impressionar.

Mesmo que a voz de Welsh se sustente por completo, parte disso vem da instrumentação controlada e do posicionamento assertivo de Matthew Otto por toda a obra. Limitando as batidas e concentrado na produção de vestes instrumentais finas, o músico utiliza de sintetizadores sempre próximos um mecanismo de abastecimento para o disco. É de Otto a responsabilidade de aproximar as dez canções que figuram pelo álbum, fazendo com que as recordações tristes da infância ou mesmo o desespero solitário do vocalista alcancem o impacto que de fato estabelecem.

Validando o título que sustenta o álbum – em português algo como “ator”, “imitador” ou “performer” -, Devon Welsh sobe ao palco do registro para interpretar com beleza o papel que lhe foi concedido: o de si próprio. Mais do que cantar sobre aspectos relacionados ao universo particular que o rodeia, o cantor transmite no sofrimento um exercício de extrema aproximação com o ouvinte, transformando o que poderia soar como uma obra de porções egoístas um tratado de sofrimento involuntariamente compartilhado.

Impersonator (2013, Matador)

Nota: 8.0
Para quem gosta de: Autre Ne Veut, Doldrums e Sean Nicholas Savage
Ouça: Childhood’’s End

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Julia Holter é responsável por um dos trabalhos mais encantadores e inventivos do último ano, Ekstasis. Mergulho sublime em experimentos que dançam pelo etéreo, o álbum deve perder parte do instrumental volumoso que o cercava para dar maior presença as vocais da artista, pelo menos é o que World, primeiro single do ainda inédito Loud City Song, consegue antecipar. Delicada e imersa em arranjos essencialmente controlados, a canção (também lançada em vídeo), aproxima elementos da carreira recente de Joanna Newsom sem se afastar da essência de Kate Bush, tratando nos vocais flutuantes uma medida que parece única do trabalho de Holter. O novo álbum tem estreia prevista para o dia 20 de Agosto, pelo selo Domino.

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Julia Holter – World

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Você sabe para que serve o ponto e vírgula? Não? Então o trio de rappers/humoristas The Lonely Island explica para você. Próximos de apresentar ao público o terceiro registro em estúdio da carreira, a tríade faz de Semicolon (ponto e vírgula em português), mais um fino exemplar do que será encontrado em The Wack Album. Contrariando a proposta escatologia ou sexualmente exagerada da maior parte das composições do grupo, a faixa traz na presença de Solange Knowles um caráter “educativo”. Em meio a trocadilhos cômicos e referências próprias da cultura estadunidense a faixa simplesmente consegue traduzir o significado do ponto e vírgula. Assim como Spring Break Anthem, YOLO e I Fucked My Aunt, a canção estará no disco previsto para o dia sete de junho.

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The Lonely Island – SEMICOLON (feat. Solange)

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Com uma presença cada vez maior e diversas colaborações dentro da nova safra do Rap estadunidense, era apenas questão de tempo até que o novato Travis Scott desse vida à primeira mixtape. Sem fugir das composições chapadas e batidas que remetem ao trabalho de A$ap Rocky na ótima LiveLoveA$ap (2011), o jovem rapper faz de Owl Pharaoh uma morada para colaborações e faixas que revelem aquilo que o apresentou à gigantes como Kanye West nos últimos anos. Contando com a participação de veteranos como Wale, Theophilus London e até Chazwick Bundick (Toro Y Moi), o registro finaliza em 13 composições um terreno fértil, tanto para as rimas de Scott, como para a curiosa produção que circunda a obra. A mixtape pode ser ouvida e baixada logo abaixo:

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Travis Scott – Owl Pharaoh

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Depois do esforço dobrado em lançar Wit’s End e Humor Risk no mesmo ano, Cass McCombs deve levar um pouco mais de tempo até presentear o público com um novo disco, o que não quer dizer que ele esteja parado. Assim como aconteceu com Empty Promises em 2012 e If You Loved Me Before no começo do ano, o cantor e compositor faz dos singles uma extensão do que vem construindo desde o começo da década passada. Mais novo lançamento do músico, Three Men Sitting On A Hollow Log faz parte de um single split lançado em parceria com Michael Hurley. Menos dolorosa que os anteriores projetos do cantor, a faixa se acomoda no Country, reforçando o que talvez fosse observado apenas nas bordas do trabalho do norte-americano.

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Cass McCombs – Three Men Sitting On A Hollow Log